1. 르네상스 시대의 시작
황금의 시대
르네상스란 이탈리아어의 Rinascimento라는 어원을 가진 이 단어의 원 의미는 '재생'으로 유럽 문명사에서 14세기부터 16세기 사이 일어난 문예 부흥 또는 문화 혁신 운동을 말한다. 이것은 과학 혁명의 토대가 만들어져 중세를 근세와 이어주는 시기가 되었다.
시대 배경
르네상스 예술이 부흥한 주된 이유 중 하나는 인간의 가치와 잠재력을 강조한 철학적 운동인 휴머니즘의 부활이었다. 인문주의자들은 고전 문헌을 연구하고 고대 철학자, 시인, 과학자들의 지혜로부터 배우는 것이 중요하다고 믿었다. 이러한 사고의 변화는 예술가들이 엄격한 종교적 주제를 넘어 인간의 경험, 감정 및 자연 세계에 더 초점을 맞춘 주제를 탐구하도록 장려했다. 경제적 번영도 중요한 역할을 했다. 피렌체 / 베니스 / 로마 같은 도시는 무역과 상업을 통해 부유해졌다. 피렌체의 메디치 가문과 같은 부유한 가문은 자신의 부를 예술가, 건축가, 학자를 지원하는 데 사용했다. 이 후원 시스템은 예술가들에게 자신의 작업을 추구하고 새로운 기술과 아이디어를 실험할 수 있는 발전에 재정적 수단을 기여했다.
기술의 발전은 르네상스 시대 예술의 번영에 영향을 주었다. 1440년경 요하네스 구텐베르크가 인쇄기를 발명하면서 책의 대량 생산이 가능해졌고, 그 어느 때보다 지식에 대한 접근성이 높아졌다. 예술가들은 원근법, 해부학 및 비율에 대해 배웠으며 이는 보다 사실적이고 3차원적인 작품을 만드는 데 도움이 되었다. 유성 페인트의 사용이 널리 보급되면서 예술가들은 그림에서 더 세밀하고 생생한 색상을 얻을 수 있게 되었다. 당시 이탈리아의 정치 지형은 여러 도시 국가로 분열되어 있었고, 각 도시 국가는 명성과 권력을 놓고 경쟁했다. 이 대회는 훌륭한 예술 작품과 건축 작품을 후원함으로써 서로를 능가하려고 선의의 경쟁을 하는 문화 영역으로 확장되었다. 공공 예술은 도시의 부와 세련미를 보여주었다.
더욱이 1453년 콘스탄티노플이 함락되자 많은 그리스 학자들이 서유럽에서 잃어버린 고전 사본과 지식을 가지고 이탈리아로 도피했다. 이러한 유입은 지적 지형을 풍부하게 하고 고전 고대에 대한 관심을 더욱 불러일으켰다. 또한, 무역을 통해 다른 문화와의 접촉이 늘어나면서 새로운 아이디어와 관점이 도입되었고, 유럽 사상가와 예술가의 지평이 넓어졌다. 그들의 도착은 고대 문헌과 사상에 대한 새로운 관심을 불러일으켰고 르네상스의 핵심이었던 지적 부흥을 촉진했다.
종교
사람들은 종교적 문제나 내세에만 집중하기보다는 지금 이 순간에 더 집중하기 시작했다. 세속주의로의 이러한 전환은 탐구, 과학적 탐구, 인간 성취에 대한 축하를 장려했다. 개인은 자신의 운명을 형성하고 사회에 의미 있게 기여할 수 있는 능력을 믿기 시작했다. 이러한 개인주의 감각은 예술, 과학, 문학, 철학 분야에서 놀라운 성과를 거두었다.
이 시기에 레오나르도 다빈치 / 미켈란젤로 / 라파엘로와 같은 천재 예술가들이 등장하여 혁신적인 기술과 인체 해부학 및 감정에 대한 심오한 이해를 통해 예술의 경계를 넓혔다. 그들은 자연계의 아름다움과 인간 정신의 복합성을 포착하여 미술의 토대를 마련하고자 했다. 본질적으로 르네상스 예술의 기원은 고전 고대에 대한 관심의 부활, 인문주의 철학의 부상, 예술 후원을 가능하게 한 경제적 번영, 기술 혁신, 경쟁적인 문화 환경 등 여러 요인이 결합된 결과였다. 이러한 요소들이 함께 모여 예술적 표현과 르네상스를 특징짓는 예술의 심오한 변화를 위한 비옥한 기반을 마련했다. 본질적으로 황금시대인 르네상스의 기원은 재발견된 고전 지식, 예술 후원을 가능하게 한 경제적 번영, 아이디어와 새로운 예술 기법의 확산을 촉진한 기술 혁신, 가치를 부여하는 문화적 변화의 융합에서 비롯되었다. 인간의 잠재력과 경험에 대해 이러한 독특한 상황의 조합은 전례 없는 창의성과 사고의 번영을 가져왔고, 현대 세계에 계속 영향을 미치는 걸작과 발전을 만들어냈다.
=> 오늘날 많은 역사학자들은 르네상스가 실질적인 것이라기보다는 지적, 이념적 변화 정도로 본다. 더 나아가 중세의 부정적인 특징인 가난, 무지, 전쟁, 종교/정치적 박해 등은 마키아벨리와 종교전쟁, 마녀사냥의 시대인 16세기에 더 심해졌다고 보는 관점도 있다. 19세기에 르네상스에 대해 적었던 학자들은 르네상스 시기의 민중들이 황금시대에 살았던 것처럼 묘사하여 지금까지도 그런 이미지가 남아있지만 그렇지는 않았다. 르네상스 시기의 작가, 화가 그리고 그들의 후원자들이 민중들의 고통과는 관계없이 자신들은 중세의 암흑기를 끝내고 새 시대를 열고 있다고 믿었다는 점은 주목할 필요가 있다.
2. 르네상스의 건축
특징
르네상스 시대의 웅장한 대성당에 들어가는 것은 마치 돌과 예술이 아름답게 어우러진 교향곡에 들어서는 듯한 느낌이 든다. 이 당시 대성당은 신의 영광과 인간 창의성의 놀라운 잠재력을 모두 기념하기 위해 설계되었다. 당시의 건축가들은 고대 그리스와 로마에서 영감을 받아 기둥, 돔, 둥근 아치와 같은 고전적인 특징을 다시 가져왔다.
양식
고딕 건축의 하늘을 꿰뚫는 첨탑과 복잡하고 거의 압도적인 세부 묘사와 달리, 르네상스 대성당은 균형과 조화를 받아들였다. 모든 것은 비율과 대칭에 중점을 둔 것이었다. (대칭=권위) 건물은 장엄하고 환영받는 느낌을 주는 공간을 만들기 위해 수학과 기하학을 사용하여 신중하게 설계되었다. 눈에 띄는 특징 중 하나는 돔이었다. 브루넬레스키가 설계한 피렌체 대성당의 숨 막히는 돔을 보면, 단지 구조적인 경이로움이 아니라 혁신과 인간 독창성의 상징을 느낄 수 있다. 이 대성당의 특징은 성당 내부에 들어오는 햇빛이 쏟아져 들어와 성스러운 분위기를 자아내고 예술 작품을 조명과 자연스럽게 어우러진다는 점이다. 장식은 더욱 세련되고 고전적인 모티프에 중점을 두었다. 당시의 인본주의 사상에 고개를 끄덕이는 사실적인 해부학과 감정으로 묘사된 인물이 자주 등장하는 우아한 조각품, 프레스코화, 그림을 볼 수 있다. 미켈란젤로나 라파엘로와 같은 예술가들은 단지 그림에만 기여한 것이 아니다. 그들은 건축 설계에도 참여하여 예술과 구조를 완벽하게 혼합했다.
본질적으로 르네상스 대성당 건축은 고전적인 아름다움을 재발견하고, 조화와 균형을 강조하며, 인간이 이룰 수 있는 놀라운 일들을 보여주는 것이 전부였다. 이 대성당은 단순히 종교 예배에 참석하는 장소가 아니었다. 그들은 르네상스 시대에 경외심을 불러일으키고 사고의 흥미진진한 변화를 보여준 기념비적인 예술 작품이었다.
3. 예술과 종교의 힘
종교
1517년 마르틴 루터 가톨릭교회에 회의적이었고 비판했으며, 이는 종교 개혁의 불씨를 되었다.
17세기 유럽에서 일어난 종교분쟁 = 가톨릭 vs 프로테스탄트(복음주의의 탄생_성경 말씀만이 진실이다!)
당시 로마 교황인 레오 10세는 산 피에트로 대성당의 개축 공사의 막대한 재건 자금마련을 위해 '면죄부'를 발행해서 팔았다.
온갖 갈등이 존재했지만 '트리엔트 공의회'의 종교회의에서 "종교미술은 숭배의 대상이 아니다"라는 결론을 내려서
미술사의 자유로운 표현에 큰 영향을 끼쳤다.
르네상스 대표작품
16세기 베네치아(이탈리아 미술의 중심지) -> 17세기 바로크의 무대인 로마 -> 18세기 다시 베네치아로
17세기 '대튀르크 전쟁' 이후 베네치아에서는 거액을 주고 계급을 사고파는 일이 있었다.
당시 생겨난 이 신흥 귀족들은 베네치아 미술의 후원자가 되었다.
보티첼리의_비너스의 탄생
1480년대 중반에 그려진 산드로 보티첼리의 '비너스의 탄생'은 고전 신화 속 사랑과 미의 여신인 비너스의 아름다움을 찬양하는 이탈리아 르네상스의 걸작이다. 이 그림은 비너스가 거대한 조개껍질을 타고 바다에서 나오는 모습을 묘사하고 있는데, 이는 바다 거품에서 탄생하는 것을 상징한다. 그녀는 긴 머리로 겸손하게 몸을 가리고 중앙에 우아하게 서 있다. 그녀의 왼쪽에는 바람의 신 제피르(Zephyr)와 아우라(Aura)가 부드러운 바람을 불어 그녀를 해안으로 인도하고, 오른쪽에는 계절의 여신인 호라(Horae)가 꽃망토를 걸치고 기다리고 있다. 이 작품은 조화와 아름다움이라는 르네상스의 이상과 고전 신화에 대한 새로운 관심을 구현한 우아한 구성, 유려한 선, 섬세한 색상 사용으로 유명하다. 보티첼리의 묘사는 천상의 초자연적인 느낌과 자연주의적인 디테일을 결합하여 인간의 형태와 신화적 주제를 모두 탐구하는 르네상스 미술의 전형적인 표현이다.
레오나르도 다빈치_최후의 만찬
495년에서 1498년 사이에 그려진 레오나르도 다빈치의 "최후의 만찬"은 이탈리아 밀라노의 산타 마리아 델레 그라치에 수도원 식당에 위치한 기념비적인 벽화이다. 이 걸작은 예수께서 열두 사도에게 그들 중 한 사람이 자신을 배반할 것이라고 알리신 최후의 만찬의 극적인 순간을 묘사한다. 다빈치는 각 사도들의 다양한 감정적 반응을 능숙하게 포착하여 그들의 표정과 몸짓에서 충격, 불신, 긴장을 표현했다. 이 구성은 선형 원근법을 사용하는 것으로 유명하며, 수렴하는 선은 시청자의 관심을 중앙에 있는 예수에게 직접 이끈다. 이 그림은 다빈치의 뛰어난 해부학적 능력, 원근법, 복잡한 인간 감정의 묘사를 보여주며, 조화와 현실주의라는 전성기 르네상스의 이상을 구현한다. "최후의 만찬"은 미술사에서 가장 중요한 작품 중 하나로 남아 있으며, 스토리텔링에 대한 혁신적인 접근 방식과 다음 세대의 예술가들에게 미치는 심오한 영향으로 끼치고 있다.
미켈란젤로 부오나로티_시스티나 성당 천장
시스티나 성당 천장은 1508년에서 1512년 사이에 그려졌으며 바티칸 시국에 위치한 전성기 르네상스 예술의 기념비적인 걸작이다. 약 12,000평방 피트에 달하는 프레스코 천장은 예배당을 창세기의 주요 이야기를 보여주는 생생한 시각적 이야기로 변화시킨다. 미켈란젤로는 처음에는 자신을 화가라기보다 조각가로 여겼음에도 불구하고 교황 율리우스 2세의 의뢰를 받아 300개가 넘는 인물을 그리는 엄청난 작업을 맡았다. 천장 중앙에는 창세기의 에피소드를 묘사하는 9개의 중앙 패널이 있으며, 여기에는 하나님이 손가락 끝의 접촉으로 아담에게 생명을 부여하기 위해 손을 뻗으시는 상징적인 "아담의 창조"가 포함된다. 이 장면 주변에는 그리스도의 오심을 예언한 선지자와 형제들, 그리고 구약과 신약을 연결하는 예수의 조상들이 있다. 인물 주변에 그려진 건축적 틀은 미켈란젤로의 뛰어난 원근법과 트롱프뢰유 기술을 보여주며 3차원 구조의 환상을 만들어낸다. 이 작품은 역동적인 포즈, 근육질의 해부학적 구조, 표현적인 감정이 특징인 인물과 함께 인간의 형태를 강력하게 표현한 것으로 유명하다. 미켈란젤로의 생생한 색상과 복잡한 디테일은 성경 이야기에 생생함을 더해 관객을 심오한 영적, 예술적 경험으로 끌어들인다. 시스티나 성당 천장은 르네상스의 예술적 이상을 보여줄 뿐만 아니라 천장 그림과 프레스코 작업에 대한 새로운 기준을 세웠다. 이는 미켈란젤로의 천재성에 대한 증거로 남아 있으며 그 웅장함과 복잡성에 대한 경외심과 감탄을 계속해서 불러일으키고 있다.
라파엘 산치오_아테네 학당
1509년에서 1511년 사이에 바티칸에 그린 작품으로 철학과 시와 같은 다양한 분야를 상징한다. 이 작품은 교황 율리우스 2세가 자신의 도서관을 장식하기 위해 의뢰한 것이다. 이 그림이 그토록 멋진 이유는 라파엘이 원근감을 잘 표현했기 때문이다. 마치 복도로 바로 걸어 들어갈 수 있을 것 같은 느낌이 든다. 배경의 건축물은 웅장한 로마 건물처럼 보이며 서사적인 분위기를 더해준다. 전체 장면은 움직임과 대화로 가득 차 있어 마치 살아있는 듯한 느낌을 주기도 한다. 르네상스 시대에 매우 중요했던 지식, 배움, 인간의 호기심 정신을 기리는 작업으로 예술, 과학, 철학이 어떻게 하나로 결합되는지 시각적으로 외치는 것과 같다.